Lo mejor de 2015: Top 20

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2015

Como cada mes de diciembre, todas las webs y publicaciones cinematográficas presentan sus listas con lo mejor del año que acaba. Y aunque sumidos en esa vorágine no dejan de parecer una anécdota abierta a la discrepancia de opiniones, entendemos las listas como un juego muy serio, pero un juego al fin y al cabo. Con Lo mejor de 2015 proponemos un itinerario por el que ayudar no solo a resumir el año, sino a pensar en él, a mirarlo con otros ojos y fomentar una posible construcción de su inmediata historia. A sabiendas de que el criterio a seguir, de películas estrenadas comercialmente en España durante 2015, es insuficiente para abarcar lo más relevante del cine actual, una lista se define también por sus ausencias, por los huecos a rellenar de nuestra cartelera, del mismo modo que por sus reseñables presencias, las de un revelador cine europeo que copa una lista encabezada por Puro vicio de Paul Thomas Anderson.

20

Crítica  Filmografía

por Pablo Vigar

Cuesta encontrar las razones por las que la última incursión en cines de Michael Mann se haya saldado con críticas en su mayoría tremendamente negativas. Blackhat no sólo es un ejercicio mayúsculo de manejo de los códigos del thriller, estamos ante una de las mejores obras en la filmografía del director de Heat (1995), con secuencias de acción sobresalientes: la primera en el túnel y el tiroteo en la carretera, de insuperable fuerza dramática. Sin olvidar ese encuentro final que devuelve a la palestra la importancia de la tan a menudo denostada dirección de actores.

19

Crítica

por Mario Iglesias

A pesar de que su recepción crítica ha sido mucho más tenue que la de SkyfallSpectre conserva de nuevo bajo la dirección de Sam Mendes los elementos esenciales de su predecesora, consolidando esta nueva etapa que se inició con Casino Royale como una serie de películas de una significación cinematográfica muy superior a cualquier otra entrega realizada en las cuatro décadas anteriores. En el caso de Spectre, la renuncia a una excesiva complejización posicoanalítica a favor de una acción más desnuda, con la inverosimilitud como norma y con un discurso de fondo crítico a la posdemocracia que se avecina consiguen conformar un largometraje de acabado notable, que destaca como el producto mainstream más relevante del año.

18

Crítica

por Pedro Villena

Resulta difícil de olvidar el vídeo que grabó Ruben Östlund en el momento justo en el que su Fuerza mayor (Turist) se había quedado fuera de las nominaciones a mejor película de habla no inglesa en los Oscars. Ya fuese su enajenación irreprimible un montaje, o el fruto de sentimientos que afloraron con demasiada rabia contenida, el paralelismo con su propia película es difícil de obviar: la eterna confrontación del comportamiento cerebral nórdico frente al sentimentalismo impulsivo de los latinos.

¿Qué impulso elegiría el miembro de una sociedad cerebral, analítica, racional, ante algo tan repentino como una avalancha de nieve que amenaza con sepultarle no solo a él, sino a toda su familia? La anatomía de un momento y de un impulso, de cómo un hombre actúa y cómo debería actuar, del instinto de protección y de supervivencia, lo describe con maestría Östlund en un drama que crea y destruye a una familia sueca de clase media.

17

Crítica

por Pablo Vigar

No ha sido hasta alejarse de los grandes presupuestos de Hollywood con La visita, cuando M. Night Shyamalan ha vuelto a obtener el favor de los espectadores, tanto de aquellos esporádicos como de los más versados en el cine que el autor practica. Y lo ha logrado adoptando la técnica del found footage para dar rienda suelta a sus propios impulsos como figura tras la cámara. El terror vuelve a ser el armazón que vertebra esta actualización en el tiempo del cuento de Hansel y Gretel, en lo que resulta ser tanto una muy personal reivindicación creativa como una cinta de género terriblemente eficaz

16

por Antonio M. Arenas

De entre todos los aciertos que han convertido It Follows en el fenómeno del cine de terror más sólido de los últimos tiempos, el fundamental ha sido recuperar el uso del punto de vista como centro de la puesta en escena y de la planificación en el género, actualizando como nunca los códigos que John Carpenter instaurara en la seminal Halloween (1978). David Robert Mitchell sitúa no en vano sus imágenes en los suburbios residenciales de una Detroit sumida en la crisis actual, aunque al mismo tiempo instala la acción en un marco temporal indeterminado entre los ochenta y la actualidad, casi un espacio imaginado, el del propio cine, al que pertenece el soberbio mecanismo observacional y voyerístico que dispone desde la simbólica primera secuencia, transmitiendo la sensación de que alguien te sigue, alguien te ve y el espectador seremos sus ojos.

15

por Antonio M. Arenas

En la última década David Cronenberg ha tejido una nueva dimensión no siempre bien acogida a su ya profunda filmografía. Si Cosmopolis (2012) era una culminación de su obsesión por fundir al ser humano con algo mayor que él (otra especie, criatura o tecnología), tratándose en aquella ocasión de algo tan abstracto como el capitalismo, con Maps to the Stars prosigue dando un paso lógico por una de sus cunas, el paseo de la fama de Hollywood.

No cuesta imaginar Los Ángeles como centro del horror capitalista contemporáneo: superpoblado de agentes, ejecutivos, actores frustrados, niños millonarios y padres ególatras que solo encuentran cobijo a la realidad entre adicciones, sectas y sesiones de meditación budista, material de partida por el que aflora el Cronenberg más satírico. Pero es en la tortuosa disección del pasado de una familia y del propio eco que el cine que produce en sus personajes, donde aspira de forma demoledora a redimirlos, volviendo a confirmarse como un cineasta único para adentrarnos en el subconsciente del ser humano y del séptimo arte.

14

por Gonzalo Ballesteros

En un planeta imaginario, un grupo de científicos llega para investigar por qué, pese a las similitudes con la Tierra, su sociedad se ha quedado estancada en la Edad Media. En el proceso uno de los científicos será confundido con un hijo ilegítimo de Dios y actuará en consecuencia. Adaptación libre de la novela homónima de los hermanos Strugatsky, Qué difícil es ser un dios, es posiblemente la película más exigente e inabarcable de las que han llegado a salas comerciales en este 2015. La obra póstuma de Aleksei German, que necesitó más de diez años para ser terminada, es todo un festival de barbarie y depravación donde cualquier destello de cultura es enterrado en pozos de excrementos, literalmente. Casi tres horas de este infierno que recuerda a El triunfo de la muerte de Brueghel, dónde la narración o el argumento desaparecen para que prevalezca un auténtico sindiós que es pura brillantez cinematográfica.

13

por Pedro Villena

Era difícil esperar un retrato cándido de las relaciones sentimentales si el que agarraba el pincel era Yorgos Lanthimos. El director griego compone en Langosta (The Lobster) una distopía con espíritu guerracivilista en una sociedad en la que ser soltero es poco menos que una razón para morir cazado como un animal (o convertirse en uno).  La gestión burocrática del estado civil a través de un inquietante hotel se queda en el único escenario de la película, ya que Lanthimos prefiere acabar viajando al bando contrario, el de la soltería, haciendo evolucionar su idea, jugando con ella, obteniendo así diferentes lecturas sobre su visión del amor, todas representadas con su personal estilo austero y perturbador.

12

por Jonay Armas

“Una sinfonía debe abarcar el mundo”, decía Gustav Mahler. Lo que hace Frederick Wiseman en sus obras no está lejos de esta idea: algo cercano a una catedral de conocimiento. National Gallery no está constituida por una simple labor de observación: el autor se plantea el cine como una herramienta que posibilita penetrar en un lugar a partir de todas las ópticas posibles, hasta poder comprenderlo del todo. La experiencia resulta del todo inmersiva porque, mientras Wiseman observa el museo londinense, las experiencias de visitantes, guías, restauradores y directivos arrojan una energía sobre el edificio que invita a pensar en él como un organismo vivo. Sin pretender un documental pedagógico al uso, el cineasta ha encontrado la forma más poderosa para hablar de la importancia y vigencia de una institución como aquella.

11

Crítica

por Pedro Villena

Parecía que ya era poco lo que se le podía pedir a Pixar, hasta que se metieron en nuestra cabeza. El cine de animación no solo permite crear mundos de fantasía que no podríamos llegar a concebir sin la ayuda de los todopoderosos efectos digitales. Esas posibilidades pueden aplicarse a nosotros mismos, a nuestro interior, que en realidad es el más extenso e inimaginable mundo de fantasía cambiante que existe, el nuestro y el que nos rodea. Así lo han entendido en Pixar, con su enésimo golpe sobre la mesa, golpe de imaginación y amor por sus personajes, de diversión, de emoción y de recuerdo, con la historia de Riley, una niña cualquiera guiada inconscientemente por 5 sentimientos que pilotan su cabeza: alegría, tristeza, asco, ira y miedo.

10

Crítica

por Pablo Vigar

En Whiplash, de título casi onomatopéyico, J. K. Simmons irrumpe en escena con la misma fuerza arrolladora con que lo hace la batería cuando es comandada por el joven protagonista de la historia, Andrew Neiman, que bien podría ser un trasunto, por ambiciones desmedidas e incapacidad para socializar, de la versión cinematográfica del fundador de cierta red social. Aprendiz y maestro cargan sobre sus hombros con el peso de una cinta que está sin embargo a la entera disposición del veterano actor, quien ofrece un recital interpretativo propio de los certámenes en que participa con su grupo de jazz del conservatorio, por cuyas aulas y pasillos desfila cual estampa del sargento de instrucción de La chaqueta metálica (1987).

09

por Daniel Reigosa

Dennis Villeneuve demuestra con Sicario una sorprendente valentía, característica de quien se sabe conocedor de su potencial y capacidad narrativa. No sin riesgos, plantea la idea de la fragilidad de la mujer en un mundo (des)gobernado por hombres, idea que, a priori, puede ser tildada de machista. No obstante, en el terreno en el que la masculinidad mal entendida es llevada a cotas prácticamente insuperables (el militar, el mundo de la droga), el director canadiense sitúa a una mujer (eso sí, despojada de toda feminidad), de la que se presume que es lo suficientemente fuerte y valiente (cualidades tradicionalmente atribuidas a los varones) como para poder adaptarse a la crueldad humana y cerrar los ojos en caso de necesidad.

Un disparo, hacia el final de la película, lejos de anular al personaje femenino, revelará las verdaderas intenciones del filme, que no son otras que incidir en la necesidad y dependencia de las cualidades inherentes a la mujer en un mundo absurdo dominado por hombres, algo de lo que también se hacía eco Mad Max: Furia en la carretera (George Miller) este mismo año. Algo está pasando en el (buen) cine de acción.

08

por Mario Iglesias

Con su segundo largometraje, Santiago Mitre ha dado una lección de cómo subvertir un en apariencia anodino encargo, el remake de un clásico del cine argentino que escondía un fuerte mensaje religioso, y darle un significado político de largo alcance, capaz de incomodar al espectador más heterodoxo y de provocar tanto rechazo las decisiones de su personaje protagonista como desconcierto por su hipnótica convicción al llevarlas a cabo, en una poderosa y convincente interpretación de Dolores Fonzi. La Paulina que da título a la película pronuncia la expresión clave: “No me sirve de nada ser una víctima”, y nos arrastra hasta los confines de la seguridad de su clase social, hasta las fronteras de la blanca y europea nación argentina y hasta los límites de la lógica, en una obra que perdurará y seguirá creciendo tras este 2015 que la ha visto nacer.

07

por Daniel Reigosa

Hou Hsiao-hsien compone en su última película un elocuente wuxia feminista (inspirado en el género literario chuanqi) en torno a una asesina que alberga serias dudas a la hora de consumar el acto de matar. El director taiwanés, quien maneja a la perfección el tempo exacto de los planos, compone, a través de sutiles detalles y con el mínimo subrayado, un relato fascinante cargado de complejos personajes, en el que no falta el elemento fantástico tan propio del género.

La belleza de las imágenes filmadas en un tono poético cegador, la hipnótica banda sonora repleta de sonidos provenientes de la naturaleza o de lejanos tambores, la austeridad y fuerza de los diálogos, unido a la capacidad narrativa de la cámara, que se convierte en una suerte de voz en off, conforman una obra de una fuerza arrebatadora, de esas que mantienen al cine en el Olimpo de las Artes. The Assassin es, sin ninguna duda, una película impecable que necesita de varios visionados para su completa comprensión.

06

Crítica

por Mario Iglesias

El estreno de Leviatán el 1 de enero parecía augurar un año cinematográfico distinto al que tuvimos, ausente de obras maestras y finalmente convertido en una suerte de paréntesis en esta interesante década. Andrei Zvyagintsev ofrece una desnuda visión del despótico régimen actual en Rusia y a través de unos personajes perdidos en el laberinto criminal de una ruralidad  asfixiante, con una iluminación tenue y una sequedad desesperanzada, acierta a aplicar su maestría técnica a una historia de indudable significación política, en la que vemos cómo el Estado ha renunciado a cualquier justificación idealista de su ejercicio del poder y se limita a envolver en una cháchara vacía su proceder, tan implacable como arbitrario, tan brutal como tenebroso.

05

Crítica

por Mario Iglesias

Realizada bajo el formato de miniserie de cuatro episodios y estrenada en España en muy pocos cines, durante cuatro horas Bruno Dumont se sumerge en su temática habitual (crímenes sin resolver en ubicación rural) llevando hasta la hipérbole la degeneración de un territorio abandonado, que se ve invadido de forma imparable por la desolación y la muerte, en la que lo grotesco acaba devorando cualquier atisbo de vida inteligente. La demoledora metáfora sobre la Francia de Le Pen que se avecina y una extraña aunque real conexión con su anterior y áspera película, Camille Claudel 1915, hacen que el cine de Dumont se constituya en voz de alarma de unos males latentes cuya concreción podría estar más cerca de lo que deseamos.

04

Entrevista a Nadav Lapid

por Antonio M. Arenas

Hagar es lo bastante bonita.
Bastante para mí.
Bastante para mí.
Una lluvia de oro cae sobre su casa.
Realmente es el sol de Dios.

Nadav Lapid interpela constantemente al espectador con sus imágenes, que llegan en múltiples ocasiones a romper la cuarta pared y a escapar del relato, quebrando los límites de la representación en torno a la extraña intimidad que surge entre un niño poeta y su profesora, cimentada por el poder insondable con el que arrastra su poesía a la protagonista. La profesora de parvulario tiene la capacidad de adentrarse con una complejidad inusitada en esa obsesión por salvarle de una gris existencia, así como en el contexto social y religioso que su advenimiento casi profético representa, sembrando importantes dudas no solo sobre el lugar del arte en este mundo, sino especialmente acerca de las contradicciones en las que el estado de Israel se cimenta.

03

por Pedro Villena

¿Cómo sería la cuenta de twitter de Ernst Lubitsh? Seguro que la restricción de 140 caracteres no habría supuesto ningún impedimento para su ingenio; a lo mejor todo lo contrario. Como allá arriba (¿o abajo?) no parece haber buena conexión wi-fi, siempre podemos confiar el renacimiento de la screwball comedy, o más bien su certera e inspirada actualización, a Noah Baumbach.

La apuesta de Mistress America no solo suponía adaptar los cánones de este género al año 2015, creando un artefacto cómico en el que los diálogos saltan como resortes y encajan perfectamente en el retrato satírico de la figura del artista independiente de Brooklyn; hacía falta una musa, como aquellas del cine clásico, pero convertida en la superheroína moderna a la que amar u odiar (o ambas cosas a la vez). Ahí está Greta Gerwig, musa y pareja del director, prototipo de entrepeneur todoterreno que ya en su primera aparición, bajando las escaleras en Times Square, parece querer unir dos mundos, dos cines, dos épocas diferentes.

02

Crítica – Filmografía

por Gonzalo Ballesteros

Con Eden, estrenada con el habitual retraso de nuestro país, pusimos -y ponemos- de relevancia la filmografía de Mia Hansen-Løve actriz, crítica de cine y, por supuesto, cineasta que con cuatro películas en siete años se ha erigido como una de las voces más personales e importantes del cine europeo. Pero Eden no es sólo una excusa para hablar de su directora, es una de las películas más especiales del año capaz de retratar una época, una generación y un movimiento musical con la delicadeza de estar contando una historia muy personal. Eden es la Cara B de un disco que no deja de reproducir el single, es la música que suena lejana cuando abandonas la discoteca al amanecer, es esa melodía que como un silbido permanece en la memoria.

01

Crítica – Resonancias

por Jonay Armas

Puede que la importancia de Paul Thomas Anderson como cineasta sea tan capital porque personifica, en cierta manera, una época de la historia del cine. Una en la que las formas de los años setenta del pasado siglo vuelven a formar parte del mejor cine americano, conjugadas esta vez desde un presente que no para de cuestionarse a sí mismo. No es una operación de reescritura, sino el más eléctrico, enérgico y personal ejercicio de continuidad que uno pudiera imaginar. Anderson vuelve a bucear en los orígenes morales, políticos y económicos sobre los que se ha construido su país, esta vez adaptando la absorbente novela negra de Thomas Pynchon, para terminar por abrazar una de sus constantes más conmovedoras: hacia dónde nos arrastra el amor que no supimos entregar a tiempo.

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